Si hablas con aficionados ocasionales a la música clásica, ya sea en el vestíbulo de una sala de conciertos o tomando vino en una cena, a menudo escucharás una confesión familiar: "Me encanta la música clásica, pero no me engancha la nueva música".
Si les pides que se explayen, las respuestas varían. Algunos dicen que las piezas modernas suenan aleatorias o atonales. Otros se quejan de que la música contemporánea carece de melodía, calidez o atractivo emocional. Para muchos, simplemente sienten que no hay una forma fácil de entrar, nada familiar a lo que aferrarse.
Y aunque esto podría describir algunas obras experimentales escritas hoy en día, en realidad encaja mejor con una época mucho más antigua: el modernismo radical de Le Marteau Sans Maître de Pierre Boulez, estrenado hace casi 70 años. Esa obra maestra de mediados del siglo XX es brillante, pero sus ritmos angulares y texturas fragmentadas no son la idea de belleza de todos. Aun así, es exagerado llamar "nueva" a la música de Boulez; es prácticamente un hito histórico.
Entonces, ¿por qué tantos oyentes aún equiparan la música "contemporánea" con la austeridad intelectual de Boulez, Luigi Nono o Karlheinz Stockhausen?
Según Ara Guzelimian, director artístico del Festival de Música de Ojai y exdecano de Juilliard, «Aún persiste una reacción instintiva al modernismo, pero fue autoinfligida por esa generación».
Se refiere a un grupo de compositores posteriores a la Segunda Guerra Mundial que transformaron la música desde cero. Tras la devastación mundial, y con las tradiciones románticas de Beethoven y Wagner manchadas por su asociación con el Tercer Reich, esta nueva generación buscó reconstruir el arte con el mismo rigor que ciudades como Darmstadt, Alemania, donde se arraigó gran parte de su experimentación.
Siguieron los pasos de Arnold Schoenberg, quien ya había destrozado el sistema tonal a principios de siglo, pero llevaron sus ideas aún más lejos. El serialismo, la estructura y la precisión matemática reinaron por encima de todo. La emoción a menudo se dejaba de lado en favor de la lógica. Los sonidos electrónicos y las técnicas avanzadas entraron en escena. Y las instituciones académicas se convirtieron en el caldo de cultivo de lo que algunos críticos posteriormente llamaron "la tiranía de la vanguardia".
Pierre Boulez, quizás la figura más influyente del grupo, encarnó tanto la brillantez como la controversia de ese movimiento. Como compositor, traspasó los límites. Como director, aportó una claridad cristalina a las obras espinosas de Schoenberg y Webern. Pero su famosa actitud desdeñosa hacia gran parte del repertorio tradicional —como Brahms o Chaikovski— alienó tanto al público como a los músicos.
El imperio artístico de Boulez, incluyendo la fundación del IRCAM y la Cité de la Musique en París, otorgó a sus ideas poder institucional. Su influencia fue inmensa, al igual que la resistencia.
Hoy en día, ese legado perdura. Muchos aún asocian la "nueva música" con la severidad cerebral de la generación de Boulez. Sin embargo, el mundo clásico contemporáneo ha evolucionado mucho más allá de esa imagen estrecha. Los compositores actuales, desde Caroline Shaw y Thomas Adès hasta Tania León y Anna Thorvaldsdottir, abrazan la melodía, el ritmo, la electrónica y la emoción por igual.
El rigor del modernismo siempre tendrá su lugar, pero también lo tendrán la apertura, el color y la alegría. Lo nuevo en la música clásica ya no es algo para disfrutar antes del postre; forma parte de un arte rico y vivo que sigue sorprendiendo.
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