El Álbum Conceptual: ¿Una Forma de Arte en Extinción o Más Viva que Nunca?

 El Álbum Conceptual: ¿Una Forma de Arte en Extinción o Más Viva que Nunca?

Desde el nacimiento del MP3 y la era del iPod, ha existido una creencia persistente en los círculos musicales: que el álbum como formato está muriendo. Muchos "agoreros" han profetizado repetidamente que nadie escucharía álbumes completos, sino solo sencillos, y que la música se estaba "devolviendo" a lapsos de atención cortos. Billy Corgan, de The Smashing Pumpkins, incluso llegó a declarar en 2008 que no tenía sentido para la banda lanzar más álbumes, porque los oyentes "arrastran los dos sencillos y se saltan el resto".

Sin embargo, los hechos han demostrado lo contrario. La década de 2010 vio el lanzamiento de innumerables álbumes clásicos, y a pesar de la llegada masiva del streaming, artistas como Taylor Swift han continuado lanzando álbumes con una visión estética y secuenciación que recuerda la "Edad de Oro" del álbum en los años 70. Y no solo eso, ¡sino que Taylor Swift ha estado lanzando álbumes conceptuales, una forma aún más arraigada en esa época pasada!

De hecho, en septiembre de 2022, 14 años después de la declaración de Corgan, ¡The Smashing Pumpkins anunciaron no solo un nuevo álbum, sino un ambicioso álbum conceptual de tres partes! Parece que lejos de ser irrelevante, el álbum conceptual, la "conclusión lógica y extensión del álbum como medio", está floreciendo, con lanzamientos de grandes nombres como The Weeknd, Kendrick Lamar y BTS en los últimos años.

Pero, ¿qué es exactamente un álbum conceptual y de dónde viene? Vamos a profundizar.

¿Qué Define a un Álbum Conceptual?

No hay una definición universalmente aceptada. Si bien la mente podría evocar imágenes de estrellas de rock de los 70 haciendo "óperas espaciales", la realidad es que un álbum conceptual es un término flexible para un conjunto de canciones que, juntas, tienen un significado más grande que por separado, usualmente a través de la adhesión a un tema central.

Lo que constituye un "tema central" es debatible:

• Puede ser una narrativa clara, como la historia de Tommy de The Who.

• Puede ser más abierto y amplio, como la reflexión de Dark Side of the Moon de Pink Floyd sobre la experiencia humana moderna.

• Incluso los temas pueden ser instrumentales, como los lados eléctrico y acústico de Bringing It All Back Home de Bob Dylan.

Un Vistazo a la Historia: Desde los Orígenes hasta la Edad de Oro

La idea de canciones temáticamente vinculadas no es nueva; ha existido por siglos. Los primeros ejemplos de "proto-álbumes conceptuales" son los ciclos de canciones ("song cycles"), que datan incluso del siglo XIII y que en el siglo XVIII, en Alemania, empezaron a moldear la tradición musical occidental con los "lieder" de compositores como Beethoven y Schubert.

Sin embargo, el "álbum" como lo conocemos está intrínsecamente ligado a la tecnología de la música grabada.

• El primer álbum conceptual, considerando el aspecto tecnológico, podría ser Dust Bowl Ballads de Woody Guthrie (una colección de 11 canciones que narran la historia del Dust Bowl). Aunque Guthrie era un visionario, su concepto precedió a la tecnología, y el álbum tuvo que ser lanzado en dos sets de tres discos de 78 RPM, incluso cortando y dividiendo canciones para ajustarse.

• Años después, In the Wee Small Hours de Frank Sinatra enfrentó un problema similar, lanzado originalmente como un set de dos volúmenes.

• El primer álbum conceptual lanzado "de una vez" como tal fue probablemente Gunfighter Ballads and Trail Songs de Marty Robbins en 1959, aclamado universalmente.

El género country, por su naturaleza narrativa, fue un calce natural para los álbumes conceptuales, con artistas como Johnny Cash explorando temas mórbidos en Songs of Our Soil o viajes musicales en Ride This Train.

Pero el medio realmente se definió con la Revolución del Rock en los años 60:

• The Ventures lanzaron The Ventures in Space en 1964, un álbum instrumental de ciencia ficción.

• La revolución psicodélica trajo álbumes "pseudo-conceptuales" que exploraban paisajes sonoros, impulsados por The Beatles y The Beach Boys.

• La adopción del LP (Long Play) como formato predeterminado dio a los músicos más espacio y visión.

Un pequeño avance tecnológico fue clave para el despegue del álbum conceptual: el gatefold. Estos empaques se abrían como libros, duplicando el espacio para notas, fotos e inserts, lo que permitía a las bandas explicar conceptos temáticos más esotéricos y sumergir más profundamente al oyente. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de The Beatles (1967) es un ejemplo famoso que usó esto, aunque John Lennon negaría que fuera un verdadero álbum conceptual.

Mientras The Beatles experimentaban, otros como Frank Zappa y The Mothers of Invention exploraban temas cohesivos con álbumes surrealistas y experimentales como Freak Out (una sátira de la cultura pop) y Absolutely Free (una extensión a la política estadounidense).

A finales de los 60, surgió un nuevo sabor: la ópera rock, que combinaba la música rock con las prácticas narrativas de la ópera y el teatro musical. Estos álbumes eran mucho más directos en sus conceptos:

• SF Sorrow de The Pretty Things (1968) es a menudo acreditada como la primera ópera rock, siguiendo la vida de un personaje.

• Un año después, The Who elevaría el nivel con Tommy (1969), un doble álbum que narra la historia de un niño sordo, mudo y ciego. El éxito de Tommy llevó a una explosión de óperas rock en los 70.

• Otros ejemplos de los 70 incluyen Quadrophenia de The Who, el personaje Ziggy Stardust de David Bowie, Joe's Garage de Frank Zappa y The Lamb Lies Down On Broadway de Genesis, que a menudo se acompañaban de elaboradas producciones escénicas.

• El pináculo llegó en 1979 con Pink Floyd y The Wall, un álbum enormemente exitoso que generó una película y una de las giras en vivo más elaboradas hasta la fecha.

Pero no todos estaban interesados en lo fantástico. El soul tomó un enfoque más arraigado:

• What's Going On de Marvin Gaye (desde la perspectiva de un veterano de Vietnam).

• There's a Riot Going On de Sly and the Family Stone.

• Superfly de Curtis Mayfield (banda sonora que aborda problemas sociales).

• Songs in the Key of Life de Stevie Wonder.

Incluso el funk tenía sus conceptos extraños, como Mothership Connection de Parliament Funkadelic, que usaba la idea de una estación de radio imaginaria. Los años 70 fueron la "Edad de Oro" para el álbum conceptual, un momento de experimentación, espacio y presupuesto para los artistas, y nuevas tecnologías. Esto también vio el surgimiento de la música electrónica, un género inherentemente conceptual, con álbumes como Autobahn de Kraftwerk y I Remember Yesterday de Giorgio Moroder con Donna Summer.

La Persistencia y Evolución hasta Hoy

La antorcha del álbum conceptual fue recogida por el prog rock y el metal en los 80 (Iron Maiden, Queen, Rush, Styx). Aunque en los 90 el punk y el grunge se alejaron de esta "indulgencia musical", el hip-hop se zambulló de lleno, con Kool Keith, De La Soul (que vinculaba álbumes con skits cómicos) y, en el nuevo milenio, el magistral Deltron 3030 de afrofuturismo.

El pop punk y el emo también trajeron de vuelta el álbum conceptual al rock a principios de los 2000, con ejemplos como:

• El álbum "Untitled" de Blink-182 (2003), sobre una relación agonizante.

• War on Errorism de NOFX, un álbum de protesta.

• American Idiot de Green Day, una ópera rock sobre un "Jesús de los suburbios" políticamente desilusionado.

• The Black Parade de My Chemical Romance (2006), una seminal ópera rock y homenaje a las grandes obras del pasado.

Bandas como Coheed and Cambria llevaron el concepto al siguiente nivel con una narrativa continua, "The Amory Wars", contada a través de álbumes conceptuales y cómics.

En la década de 2010 y en la era moderna, los álbumes conceptuales están por todas partes:

• Casi cada lanzamiento de Kanye West puede verse como un álbum conceptual.

• Grupos de indie rock como Arcade Fire han ganado aclamación con piezas de art rock de alto concepto.

• Janelle Monáe ha continuado la antorcha afrofuturista con sus sagas ArchAndroid.

• Clipping ha ejecutado ficción musical con una cohesión asombrosa en Splendor & Misery.

• Grandes artistas de hip-hop están usando el formato para contar historias realistas de la lucha humana, como Atrocity Exhibition (un retrato del vicio) y Good Kid, M.A.A.D City de Kendrick Lamar (un retrato cinematográfico de la vida en los barrios marginados).

¿Por Qué Persisten?

A pesar del cambio constante de tecnología y tendencias culturales, los álbumes conceptuales han prevalecido. La razón es simple: los seres humanos amamos las historias. La narración está integrada en nuestro ADN, y el álbum conceptual nos permite explorar todas las alegrías de una historia narrativa o temática con la profundidad emocional abstracta que solo la música puede crear.

Además, los álbumes conceptuales ofrecen una salida para las ambiciones multidisciplinarias de los artistas. El arte del álbum, los videos musicales, las actuaciones en vivo y las notas internas juegan un papel integral en muchos de los mejores álbumes conceptuales, permitiendo que la forma se expanda más allá de la música. La era digital, lejos de matarlos, los ha potenciado, facilitando la creación de proyectos multimedia que invitan a los fans a sumergirse en los conceptos, desde los videos líricos de Taylor Swift hasta las experiencias web interactivas de Arcade Fire o la construcción de mundos de realidad aumentada de Twenty One Pilots.

Así que, con todo el respeto para Billy Corgan, podemos decir con confianza que los álbumes, y especialmente los álbumes conceptuales, ¡están aquí para quedarse! Son una prueba de que, para el espíritu creativo, la tecnología no es una amenaza, sino una nueva frontera para la narración.