Queen había hecho una entrada triunfal con el lanzamiento del álbum Queen II en 1974. Ahora Freddie podía dejar de trabajar los fines de semana.
Queen regresó a Trident Studios un mes después del lanzamiento de su álbum debut para comenzar a trabajar en el siguiente, que originalmente se titulaba "Over The Top". A EMI no le hizo mucha gracia esta idea, como tampoco le hizo gracia "Dearie Me" para su predecesor. Aunque "Keep Yourself Alive" recibió críticas positivas, los miembros individuales de Queen todavía no estaban convencidos de que la banda fuera un negocio en marcha. Continuaron teniendo intereses externos en Freddie Mercury y sus estudios de arte, electrónica (John Deacon), física (Brian May) y Roger Taylor (o Roger Meddows-Taylor como le gustaba que le llamaran), así como un puesto en el mercado de Kensington porque no tenían idea de cuánto duraría esto.
Sin embargo, estaban ansiosos por volver al trabajo antes de volver a la carretera y prepararse para una gira con Mott the Hoople, por lo que aprovecharon un espacio libre en agosto en Trident y comenzaron a grabar el disco que es uno de los favoritos entre muchos fans. Es, sin duda, la primera vez que uno escucha sus características superposiciones de múltiples capas, esas suntuosas armonías y la alegría desenfrenada de un grupo de jóvenes que no van a dejar que las convenciones o los límites los detengan. Así, Queen trabajó como troyanos mientras otras estrellas de rock tenían sus vacaciones.
Con la notable ayuda de Roy Thomas Baker y el hombre de la casa Robin Geoffrey Cable, que anteriormente había producido a Larry Lurex, Freddie Mercury, en un intento espectacularmente operístico de la obra maestra de Phil Spector, Ellie Greenwich y Jeff Barry "I Can Hear Music", los cuatro miembros de la banda se lanzaron directamente al proceso de grabación. El ingeniero Mike Stone, otro ingeniero de sonido excepcionalmente talentoso que se había formado en Abbey Road, también estuvo presente durante esa sesión. Había participado en el álbum Beatles For Sale de los Beatles y, más recientemente, había aplicado un poco de polvo mágico a la obra maestra de guitarra pesada de Joe Walsh, The Smoker You Drink, the Player You Get y Nursery Cryme para Genesis. Para decirlo de otra manera, eran un gran equipo, y May y los demás tenían muchas ideas originales para contribuir a la celebración.
Ese mes sofocante vio el final de lo que se convertiría en Queen II. Se decidió darle al disco un concepto flexible, dividiendo el material en lados "blancos" y "negros" para que coincidieran con la luz y la sombra de las canciones, después de darse cuenta de que Mercury y May, como compositores, tenían agendas líricas drásticamente diferentes: a Freddie, el cantante, le gustaba trabajar en reinos de lo fantasmagórico, mientras que Brian, el guitarrista, prefería un sesgo personal o emocional. La atmósfera en blanco y negro estaba representada en el envoltorio desplegable y en la etiqueta del álbum, y compraron un equipo de escenario monocromo creado por Zandra Rhodes para apoyarlo cuando salieron de gira. El fotógrafo Mick Rock fue contratado para fotografiar la portada basándose en sus impactantes fotografías de David Bowie, Iggy Pop (Stooge) y Lou Reed. Hizo que la banda posara de forma apropiada, melancólica y vampiresca, al estilo de Marlene Dietrich en Shanghai Express. Naturalmente, Freddie no pudo evitar sonreír levemente mientras cruzaba los brazos y miraba a Rock.
Douglas Puddifoot, un amigo de Queen, había dibujado a Mercury actuando bajo un foco en lo que parecía ser un escenario de un estadio mientras sostenía su pequeño pie de micrófono que pronto se volvería familiar para el debut. Aunque era una buena premisa, no transmitía realmente a la audiencia lo que había dentro, especialmente porque Queen aún no estaba ni cerca de ese nivel. Los chicos inicialmente pensaron que el retrato de Mick Rock era un poco pretencioso, pero resultó que en realidad eran una banda o pandilla, y el posible comprador estaba emocionado por el posible contenido esta vez.
Había numerosas maravillas en el interior. Comienza con May tocando "Procession" al ritmo de una marcha fúnebre con la Red Special, una guitarra multipista que Brian y su padre Harold construyeron a mano cuando el músico en ciernes era apenas un adolescente. Para los fans de Queen, el instrumento, también conocido como Old Lady o Fireplace, se volvió legendario.
"Father to Son" de Brian, escrita con Harold en mente, presenta puentes de guitarra de metal, una interpretación introspectiva al piano del autor, una guitarra acústica de John Deacon y armonías vocales de buen gusto.
Brian escribió la canción "White Queen (As It Began)" en 1968, justo antes de inscribirse en el Imperial College para estudiar física. May también tenía una musa femenina en mente, una chica de su clase de biología de nivel A en Hampton Grammar, que se inspiró en el tratado de poesía y mitos de Robert Gravees, The Golden Fleece. La combinación de letras de amor cortés y un ideal feminista resonó en el público de Queen, que pronto se daría cuenta de que este no era solo otro grupo típico de glam rock.
Además de contribuir con una impresionante sobregrabación de guitarra, May hace su debut como el único vocalista principal en "Some Day One Day". La sección final presenta tres instrumentos que tocan partes distintas en lugar de fusionarse al unísono. Brain estaba extasiado ic para tener el sonido que había deseado durante mucho tiempo a medida que el disco de 24 pistas de Trident se hacía más grande.
El lado "White" concluye con una versión del tema Mother to Son del baterista Roger en "The Loser In The End", que incluye un hermoso trabajo de marimba y un poco de humor irónico o ambiguo en los versos.
Si los esfuerzos de Freddie fueron inconsistentes hasta ahora, él reemplazó al lado "Black". Para anunciar una suite que es Queen en su forma más progresiva, "Ogre Battle", que fue traída del primer álbum, recibió un arreglo apropiado. Es una canción muy pesada con gritos de voz escalofriantes, un thrash tenso de guitarras y batería, un gong clásico y muchos efectos de sonido. Durante los siguientes cuatro años, se convertiría en un pilar de sus shows en vivo. Mercury la creó en la guitarra y May se lanzó con entusiasmo a su riff de heavy metal por su poder marcial.
Los frecuentes viajes de Freddie y los demás a la Tate Gallery para ver la aterradora pintura homónima de Richard Dadd sirvieron de inspiración para "The Fairy Feller's Master-Stroke". La banda utilizó varias superposiciones vocales y armonías, las secciones de piano y clavicémbalo de Fred, las castañuelas de Roy Thomas Baker y una amplia panoramización estéreo para imitar el surrealismo del lienzo de Dadd. El mundo de fantasía medieval del artista, claustrofóbico y retorcido, fue sorprendentemente exitoso. La referencia de la letra al "quaere fellow" no es tan clara como algunas personas piensan; más bien, es otra alusión literaria a la obra de Brendan Behan, The Quare Fellow, con una ortografía más oscura.
Mercury toca el piano en un estilo de transición con "Feller", introduciendo "Nevermore" al retomar la armonía final de tres partes. Como homenaje a la novela de Edgar Allen Poe, El cuervo, Freddie y Robin Cable también tocaron el piano de cuerdas o el piano de cuerdas (de nuevo sin sintetizadores) en una canción sobre la ruptura de una relación.
Mercury compuso la polirrítmica "The March Of The Black Queen" en el piano. May añadió campanas tubulares sinfónicas y la canción se convirtió en una extravagancia de guitarra eléctrica y acústica. Como resultado, fue casi difícil tocarla en vivo, pero sigue siendo un punto culminante del disco.
"Funny How Love Is", una canción de Mercury que presenta una de sus letras más hermosas y conmovedoras ("Funny how love is coming home in time for tea"), se presenta al oyente después de otra transición. En esta canción, el cantante se sintió más a gusto trabajando con Cable y los dos volvieron a la técnica del Muro de Sonido que habían utilizado en "I Can Hear Music". En una palabra, era Freddie.
Muchos oyeron por primera vez The Seven Seas of Rhye, el tema final de la canción, cuando Queen aprovechó la cancelación de David Bowie de un concierto en Top of the Pops para hacer su debut con "Rebel Rebel". Los productores del programa le pidieron a Mike Stone que sugiriera un sustituto, por lo que el 21 de febrero, Queen hizo su primera aparición televisiva significativa. Cantaron la canción más reciente y completa frente a las cámaras y entraron en las salas de estar con tal estilo y facilidad que las centralitas estaban abarrotadas. Dos días después, la canción se puso a disposición como sencillo.
Conocida por sus arpegios, paneos y fundidos cruzados, comienza con una rápida interpretación de "I Do Like To Be Beside The Seaside" (que Baker toca con un estilófono, ¡que todavía no es realmente un sintetizador!). En todos los niveles, se trata de una obra asombrosa. Con reminiscencias de la intensidad violenta de The Move, esta canción clásica de glam rock de la época debutó en el puesto número 10 en el Reino Unido e impulsó al álbum al puesto número 5, al tiempo que aumentaba las ventas del debut. En general, muy bien hecho.
Hoy en día, Queen II se reconoce como un punto de inflexión en la historia de la banda. Aunque no es un disco desconocido, se considera un objeto de culto en Estados Unidos, reverenciado por artistas como Steve Vai, Axl Rose y Billy Corgan, y sigue teniendo una influencia notable en todos, desde Muse hasta U2. Incluso Bowie se sentó y prestó atención, tal vez disfrutando un poco de la atención de Queen y soltando una sonrisa sardónica ante su llegada porque no había aparecido. Por fin, algo de rivalidad.
Sin embargo, como el primer álbum todavía estaba en pañales, EMI retuvo el disco, aunque estaba listo para salir en septiembre, completamente mezclado, etc. Mientras Gran Bretaña dormía durante la semana de tres días, la inflación galopante y la agitación política y social creciente, la crisis del petróleo de 1973 también resultó en una escasez de vinilo. Sin embargo, las personas que escucharon el álbum cuando se lanzó el 8 de marzo de 1974, se emocionaron e inspiraron. Con la gran llegada de Queen, Freddie pudo dejar de lado su trabajo de fin de semana y centrarse en la diversión que estaba por llegar. Bienvenido al mundo y adiós a Kensington Market.
Conclusión
En 2011 se añadió otro CD como parte del programa de reediciones de Queen en Universal. Entre ellos se encuentran el blues "See What A Fool I've Been" y la cara B de Brian May de "Seven Seas Of Rhye", que datan de la era Smile, cuando el guitarrista estaba muy influenciado por las canciones de Sonny Terry y Brownie McGhee. Esta es la aproximación más cercana de la banda a un tratamiento de blues genuino, y Freddie la canta en un estilo burlesco. También está disponible como una sesión de la BBC. A esto le sigue una interpretación en vivo de "Queen (As It Began)" en el Hammersmith Odeon de Navidad de 1975, la intrigante versión instrumental de "Seven Seas of Rhye" y una interpretación de la BBC de "Nevermore" de abril de 1974 que captura perfectamente la desgarradora canción.
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